DL+Booklet Less than a hundred miles inland from the capital city of Lima lies the great Peruvian jungle, an untamed land of impenetrable forests and endless winding rivers. In its isolated cities, cut off from the fashions of the capital, a unique style of music began to develop, inspired equally by the sounds of the surrounding forests, the roll of the mighty Amazon and Ucayali Rivers, and the rhythms of cumbia picked up from distant stations on transistor radios. With the arrival of electricity, a new generation of young musicians started plugging in their guitars and trading in their accordions for synthesizers: Amazonian cumbia was born.Powered by fast-paced timbale rhythms, driven by spidery, treble-damaged guitar lines, and drenched in bright splashes of organ, Amazonian cumbia was like a hyperactive distant cousin of surf music crossed with an all-night dance party in the heart of the forest. While many of the genre’s greatest tracks were instrumental, and others were simple celebrations of life in the jungle, the goal of every song was to keep the party going.Radio stations in Lima remained unaware of the new electric sounds emanating from the jungle, but a handful of pioneeringrecord producers ventured over the mountain passes to the cities of Tarapoto, Moyobamba, Pucallpa – even Iquitos, a cityreachable only by boat or plane – and lured dozens of bands to the recording studios of the capital to lay down their besttracks. Although many became local hits, few were ever heard outside the Amazonian region … until now.With eighteen tracks from some of the greatest names in Amazonian cumbia, Perú Selvatico is both the improbable soundtrackto a beach party on a banks of the Amazon and a psychedelic safari into the sylvan mysteries of the Peruvian jungle.

The official retrospective on one of Somalia's most famous and beloved private bands, Iftin, and a companion compilation to our Grammy-nominated "Sweet As Broken Dates". Digitized from cassettes recorded between 1982 and 1987 at the legendary Al-Uruba hotel's secret studio and the jams for the masses performed in the basement of Somalia's national theater. Banaadiri rhythms from Somalia's south, Mogadishu's finest vocalists, Dhaanto reggae-like guitar licks, and smoldering brass blend seamlessly with the sounds of Asia, the Middle East, and Africa to form one of rawest, most cosmopolitan eras of music anywhere. Iftin's Mogadishu is where the world's sounds begin and end.

" Fela Kutis 'Afrodisiac' wird zum 50. Jubiläum aufwändig auf limitiertem marmor-grünen (LP1) und marmor-rotem (LP2) Doppelvinyl wieder veröffentlicht, inklusive goldenem Obi-Strip und Liner Notes von Chris May.Fela Kuti (1938-1997) war ein nigerianischer Musiker, Produzent, Arrangeur, politischer Radikaler, Geächteter und der Begründer des Afrobeat. Felas musikalisches und gesellschaftspolitisches Vermächtnis umspannt Jahrzehnte und Genres wie Jazz, Pop, Funk, Hip-Hop, Rock und mehr.'Afrodisiac' ist das fünfte Album in der Reihe der Wiederveröffentlichungen zum 50-jährigen Jubiläum von Fela. Die Songs auf 'Afrodisiac' waren Stücke, die Fela und die Nigeria 70 (später Africa 70) 1972 in den Abbey Road Studios neu aufnahmen, nachdem sie in Nigeria zu Hits geworden waren. Der bekannteste Song des Albums, 'Jeun Ko Ku', ist auf diesem Album unter seinem Pidgin-Titel 'Chop and Quench' ('Fressen und Sterben') aufgeführt - eine Satire über Völlerei und Felas erster großer Hit in Westafrika. 'Afrodisiac' wurde 2014 als Teil des von Brian Eno kuratierten 'Fela Box Set #3' erstmals auf Vinyl wiederveröffentlicht. Eno spielte 'Afrodisiac' für David Byrne und war damit ein großer Einfluss auf Talking Heads 'Remain In Light'.

'Kel Tinariwen' ist eine aufschlussreiche Entdeckung aus den Tinariwen-Archiven, eine MC mit frühen Aufnahmen der legendären Tuareq-Band, die 1992 nur innerhalb ihrer Sahara-Stammesgebiete erschien und jetzt erstmals die offizielle Veröffentlichung erlebt. 'Kel Tinariwen' hat noch nicht den vollen Bandsound entwickelt, mit dem sich Tinariwen international etablierten, und erweitert die reiche Geschichte der Band um eine weitere Epoche. Ihr Markenzeichen sind die hypnotischen Gitarrenlinien und der Call-and-Response-Gesang, die sich zwischen rauen Drum-Machine-Rhythmen und Keyboard-Melodien verweben und fast an eine arabische Version von 80er Synth-Pop erinnern. Es gibt deutliche Parallelen zwischen den Klängen auf diesem Band und der Arbeit, die in den letzten Jahren von Cratedigger-Labels wie Awesome Tapes From Africa, Sahel Sounds und Sublime Frequencies entdeckt wurde.

IncludesDownload Card Das neue Jeb Loy Nichols-Album besteht aus zwölf düsteren, aber wunderschönen Stücken, bei denen der langjährige Freund und Produzent Adrian Sherwood seinen charakteristischen Dub-Ansatz gegen sorgfältig zurückgenommene Arrangements eintauscht. Akustikgitarre und Jebs Stimme werden umrahmt von subtilen Bläsersätzen, Cello und Perkussion sowie Keyboardbeiträgen von Martin Duffy (Primal Scream, Felt). Politisch aufgeladene Coverversionen ('I Hate The Capitalist System', 'Deportees') stehen neben eher introspektivem Material, darunter einige der besten Songs, die Nichols bisher geschrieben hat. Adrian Sherwood fügt hinzu: 'Dies ist Jebs 'Great American Songbook', er ist im Laufe der Jahre ein großartiger Sänger und Songwriter geworden. Es ist ein wunderschönes Werk, das an unsere gemeinsame Liebe zu dem Miracle-Album erinnert, das ich mit Bim Sherman gemacht habe. Ich bin wirklich stolz auf diese Platte und sie ist ein passender Nachfolger von Long Time Traveller.'

  Cuba: Music and Revolution: Culture Clash in Havana: Experiments in Latin Music 1975-85 Vol. 1 is a new album compiled by Gilles Peterson and Stuart Baker (Soul Jazz Records) that explores the many new styles that emerged in Cuba in the 1970s as Jazz, Funk, Brazilian Tropicalia and even Disco mixed together with Latin and Salsa on the island as Cuban artists experimented with new musical forms created in the unique socialist state. The music on this album features legendary Cuban groups such as Irakere, Los Van Van and Pablo Milanés as well as a host of lesser known artists such as the radical Grupo De Experimentación, Juan Pablo Torres and Algo Nuevo, Grupo Monumental and Orquesta Ritmo Oriental, groups whose names remain largely unknown outside of Cuba owing to the now 60-year old US trade embargo which remains in place today and which prevents trade with Cuba - and thus most Cuban records were only ever available in Cuba or in ex-Soviet Union states. The music on this album reflects the most cutting-edge of Cuban groups that were recording in Cuba in the 1970s and 1980s - who were all searching for a new Cuban identity and new musical forms that reflected both the Afro-Cuban cultural heritage of a nation that gave birth to Latin music - and its new position as a socialist state. Most of the music featured on this album has never been heard outside of Cuba. Cuba: Music and Revolution is the third book that Gilles Peterson and Stuart Baker have collaborated on together and follows on from their two earlier critically acclaimed books, Freedom, Rhythm and Sound (Revolutionary Jazz Music in the 1960s and 1970s) and Bossa Nova and the Rise of Brazilian Music in the 1960s, both of which also had related album releases on Soul Jazz Records. [info sheet from distr.]

Cuba: Music and Revolution: Culture Clash in Havana: Experiments in Latin Music 1975-85 Vol. 2 is the new album compiled by Gilles Peterson and Stuart Baker (Soul Jazz Records) that takes off in exactly the same vein as the much-acclaimed Vol. 1 - exploring the many styles that came out of Cuba in the 1970s as Latin and Salsa mixed with heavy doses of Jazz, Funk, and Disco to create some of the most dancefloor-friendly music ever made!Much of the music on this album is featured in the deluxe large format book 'Cuba: Music and Revolution: Original Cover Art of Cuban Music: Record Sleeve Designs of Revolutionary Cuba 1959-90', released by Soul Jazz Books and also compiled by Gilles Peterson and Stuart Baker (Soul Jazz Records), featuring the music and record designs of Cuba, made in the 30-year period following the Cuban Revolution.  

Dick Essilfie-Bondzie was all ready for his 90th birthday party when the Covid pandemic hit. The legendary producer, businessman and founder of Ghana’s mighty Essiebons label had invited all his family and friends to the event and it was the disappointment at having to postpone that prompted Analog Africa founder Samy Ben Redjeb to propose a new compilation celebrating his contributions to the world of West African music. For most of the 1970s Essilfie-Bondzie’s Dix and Essiebons labels were synonymous with the best in modern highlife, and his roster was a who’s-who of highlife legends. C.K. Mann, Gyedu Blay Ambolley, Kofi Papa Yankson, Ernest Honny, Rob ‘Roy’ Raindorf and Ebo Taylor all released some of their greatest music under the Essiebons banner. Yet Essilfie-Bondzie had been destined for a very different career. Born in Apam and raised in Accra, he was sent to business school in London at the age of 20, and returned to the security of a government job in Ghana. But his passion for music, inspired by the sounds of Accra’s highlife scene, had never left him, and in 1967 he figured out a way of combining music and business by opening West Africa’s first record pressing plant. The venture, a partnership with the Philips label, was a huge success, attracting business from all over the continent. By the early 1970s Essilfie-Bondzie had left his government job to concentrate on his labels, and by the mid-seventies he was on a hot streak injecting album after album of restless highlife into the bloodstream of the Ghanaian music scene. Essiebons Special features a selection of obscure workouts from some of the label’s heaviest hitters. But in the course of digitising his vast archive of master tapes, Essilfie-Bondzie found a number of Afrobeat and Instrumental maszterpieces tracks from the label’s mid-70s golden age that, for one reason or another, had never been released. Those songs are included here for the first time. Sadly Essilfie-Bondzie passed away before the compilation was finished. But his legacy lives on in the extraordinary music that he gave to the world in his lifetime. Download for LP from Bandcamp also includes unlimited streaming of *Essiebons Special 1973 - 1984 - Ghana Music Power House* via the free Bandcamp app along with high-quality download in MP3, FLAC and more Double LP pressed on 140g virgin vinyl comes with a full color 12-pages booklet

Re-Release der Original-Alben: 1 Fly Me To The Moon (1968) 2 My Prescription (1969) 3 The Womack "Live" (1970) 4 Communication (1971) 5 Understanding (1972) 6 Across 110th Street (1972) 7 Facts Of Life (1973) 8 Lookin' For A Love Again (1974) 9 I Don't Know What The World Is Coming To (1975) 10 Safety Zone (1975) 11 B.W. Goes C. And W. (1976) 12 Home Is Where The Heart Is (1976)

180g vinyl

Limitierte Wiederveröffentlichung der aussergewönlichen Zusammenstellung "Angola Soundtrack Vol.2 - Hypnosis, Distortions & other Sonic Innovations 1969-1978". Eine einzigartige Mischung aus unvergleichlicher Musikalität, leidenschaftlicher Darbietung und regionalen Rhythmen, die diese Tracks so tanzbar machen, sind kein Zufall. In der Geschichte Angolas gab es vor der Unabhängigkeit eine Reihe außergewöhnlicher Umstände, die den Riesensprung im Stil und Standard der Bands und Aufnahmen dieser Zeit bewirkten.

Imarhan wurden im Jahr 2006 in Tamanrasset in Südalgerien gegründet. Ihr musikalisches Zuhause liegt im »Tishoumaren« oder auch »Assouf«, dem Wüstenblues, dem sie seither neues Leben einhauchen. Mit zwei Alben, »Imarhan« (2016) und »Temet« (2018), sind sie so zu einem Sinnbild der neuen Tuareg-Generation geworden. Anfang 2019 begannen die Mitglieder von Imarhan mit dem Bau eines professionellen Aufnahmestudios, dem ersten überhaupt in ihrer Heimatstadt Tamanrasset in Südalgerien. Die Gruppe taufte es »Aboogi«, benannt nach den ersten semi-permanenten Strukturen, die ihre nomadischen Vorfahren bei der Gründung von Siedlungen und Dörfern errichteten. Dort hat das algerische Tuareg-Wüstenrock-Quintett auch sein neues, drittes Album aufgenommen, das erste in ihrer Heimat, das sie ebenfalls »Aboogi« getauft haben. Die Platte haben Imarhan mit Gruff Rhys von den Super Furry Animals aufgenommen. Der walisische Musiker singt zudem im Song »Adar Newlan« in seiner Muttersprache. Weitere Gäste auf dem Album sind der sudanesische Sänger Sulafa Elyas, Abdallah Ag Alhousseyni von der Band Tinariwen und der Dichter Mohamed Ag Itlale, auch bekannt als Japonais, der leider kurz nach den Aufnahmen verstarb. Die musikalische Welt von Imarhan basiert auf den traditionellen Klängen der Tuareg-Musik, ist aber gleichzeitig sehr individuell und offen für die vielen Stile, denen sie begegnen. Imarhan haben das erste Mal auch Gastmusiker*innen eingeladen. Mit dabei sind die sudanesische Sängerin Sulafa Elyas und Gruff Rhys von den Super Furry Animals sowie Abdallah Ag Alhousseyni von Tinariwen und der Dichter Mohamed Ag Itlale (auch bekannt als Japonais) aus der Künstlergemeinde von Tamanrasset. Anfang 2019 haben die Mitglieder von Imarhan ein eigenes Studio in ihrer Heimatstadt Tamanrasset gegründet. Sie tauften es auf den Namen Aboogi- Studios, benannt nach den ersten Strukturen, die ihre nomadischen Vorfahren bei der Gründung von Siedlungen und Dörfern errichteten. Es ist das erste professionelle Aufnahmestudio in Tamanrasset das der Musikergemeinschaft in der Sahara dienen soll, von denen viele noch nie Zugang zu hochwertigen Aufnahmegeräten hatten. Es lag also nahe, das entstandene Album "Aboogi" zu nennen, eine Anspielung auf den neuen kollektiven Raum, den sie geschaffen hatten, sowie auf die Widerstandsfähigkeit ihrer Kultur und ihres Volkes. Die Songs auf "Aboogi" schlagen eine Brücke zwischen der Vergangenheit und der Zukunft. Sie sprechen viele aktuelle Themen an, die Imarhans Gemeinschaft betreffen, von unterdrückerischen Gesetzen bis hin zu großen wirtschaftlichen Ungleichheiten. “You must be in solidarity with your people at all costs, until the end.” sagt Sadam. Hinter der federleichten, festlichen Musik auf "Aboogi" verbirgt sich ein starkes Gefühl für Überzeugung und Gerechtigkeit. Diese Komplexität macht Imarhans Musik so vorausschauend - Schönheit und Ruhe vermischen sich mit Streit und Herzschmerz und schaffen eine dynamische Sicht auf das Leben derjenigen, die durch mehr als ein Jahrhundert Kolonialismus und einseitige Revolutionen unterjocht wurden, aber mit wahrer Gemeinschaft, Kunst und Kultur gesegnet sind. »Mit sandigen Gitarrenriffs, betörenden Chören und poetischen Texten sprechen wir über die Verbundenheit mit der Natur, Unterdrückung, verlorene Jugend, aber auch und vor allem über Hoffnung und Kampf«, schreiben Imarhan zu »Aboogi«.