DL+Booklet
Less than a hundred miles inland from the capital city of Lima lies the
great Peruvian jungle, an untamed land of impenetrable forests and
endless winding rivers. In its isolated cities, cut off from the
fashions of the capital, a unique style of music began to develop,
inspired equally by the sounds of the surrounding forests, the roll of
the mighty Amazon and Ucayali Rivers, and the rhythms of cumbia picked
up from distant stations on transistor radios. With the arrival of
electricity, a new generation of young musicians started plugging in
their guitars and trading in their accordions for synthesizers:
Amazonian cumbia was born.Powered by fast-paced timbale rhythms,
driven by spidery, treble-damaged guitar lines, and drenched in bright
splashes of organ, Amazonian cumbia was like a hyperactive distant
cousin of surf music crossed with an all-night dance party in the heart
of the forest. While many of the genre’s greatest tracks were
instrumental, and others were simple celebrations of life in the jungle,
the goal of every song was to keep the party going.Radio stations in Lima remained unaware of the new electric sounds emanating from the jungle, but a handful of pioneeringrecord producers ventured over the mountain passes to the cities of Tarapoto, Moyobamba, Pucallpa – even Iquitos, a cityreachable only by boat or plane – and lured dozens of bands to the recording studios of the capital to lay down their besttracks. Although many became local hits, few were ever heard outside the Amazonian region … until now.With eighteen tracks from some of the greatest names in Amazonian cumbia, Perú Selvatico is both the improbable soundtrackto a beach party on a banks of the Amazon and a psychedelic safari into the sylvan mysteries of the Peruvian jungle.
'Kel Tinariwen' ist eine aufschlussreiche Entdeckung aus den
Tinariwen-Archiven, eine MC mit frühen Aufnahmen der legendären
Tuareq-Band, die 1992 nur innerhalb ihrer Sahara-Stammesgebiete erschien
und jetzt erstmals die offizielle Veröffentlichung erlebt. 'Kel
Tinariwen' hat noch nicht den vollen Bandsound entwickelt, mit dem sich
Tinariwen international etablierten, und erweitert die reiche Geschichte
der Band um eine weitere Epoche. Ihr Markenzeichen sind die
hypnotischen Gitarrenlinien und der Call-and-Response-Gesang, die sich
zwischen rauen Drum-Machine-Rhythmen und Keyboard-Melodien verweben und
fast an eine arabische Version von 80er Synth-Pop erinnern. Es gibt
deutliche Parallelen zwischen den Klängen auf diesem Band und der
Arbeit, die in den letzten Jahren von Cratedigger-Labels wie Awesome
Tapes From Africa, Sahel Sounds und Sublime Frequencies entdeckt wurde.
Wenn man an Hawaii denkt, kommen einem in der Regel zwei Dinge in den Sinn: Surfen und der Klang gefühlvoller hawaiianischer Musik in lockerer Tonlage. "Catching A Wave", die unterschätzte Single der hawaiianischen Künstler Steve & Teresa aus dem Jahr 1983, vereint das Beste von beidem. Catching A Wave" ist ein melodischer hawaiianischer Gitarrensong, der die Fantasie anregt und Bilder aus dem Paradies heraufbeschwört: Wellenreiten, Spaß mit Freunden und Familie und das Gefühl, mit der tropischen Schönheit um einen herum verbunden zu sein. Es ist der perfekte Soundtrack zu William Finnegans 2015 erschienenen Surf-Memoiren "Barbarian Days".
"Ich kam gerade von einer Surfsession in der Hanalei Bay auf Kauai zurück, und da war eine Melodie in meinem Kopf - der Refrain", sagt Steve Ma'i'i' heute. "Eine progressive Melodiezeile, 'Island tradewinds blow, I know where I'm going'. Ich habe den Song an diesem Tag im Hotel geschrieben." Aber während die Inspiration für diesen Song einfach genug ist, geht die Geschichte hinter der Entstehung des Albums - und seiner neuen Wiederveröffentlichung beim Honolulu-Label Aloha Got Soul - viel tiefer.
Das Akustikgitarren- und Bass-Duo Steve & Teresa ist aus einer lebendigen Musikszene in den 1970er und 80er Jahren hervorgegangen - einer "hawaiianischen Renaissance", zu der lokale Größen sowohl traditioneller als auch moderner Stile gehörten, wie Gabby Pahinui, The Brothers Cazimero, The Mākaha Sons of Niʻihau featuring Israel "IZ" Kamakawiwoʻole, und viele andere. Sowohl Steve als auch Teresa hatten tiefe Wurzeln in der hawaiianischen Kultur. Steve war der Bassist des Musikers und Kulturaktivisten George Helm, und Teresa war die Tochter der Hula-Tänzerin Carol Bright und des Musikers Daniel Bright. Gemeinsam taten sie sich zusammen, um zeitlose Jazzstandards, traditionelle hawaiianische Jams und Hapa-Haole-Klassiker frisch und mitreißend zu interpretieren.
"Eines Abends hatte Teresa einen Auftritt in Waikiki und ihr damaliger Bassist konnte nicht kommen", erinnert sich Steve. "Also rief mich meine Schwester an und bat mich, für sie einzuspringen. Von diesem Abend an wurden Steve & Teresa zu einem festen Duo. Ehrlich gesagt, haben wir nie geübt - wir sind einfach aufgetaucht und haben zusammen gejammt. Ich schätze, wir wurden fürs Üben bezahlt.
Einer ihrer regelmäßigen Auftritte fand im Pat's in Punalu'u statt, einem unauffälligen Treffpunkt für einheimische Musiker außerhalb der Stadt und oben an der Nordküste. Eines Abends hörte der einflussreiche Studiotechniker Rick Keefer, der von Seattle nach O'ahu gezogen war, nachdem er die Arbeit am dritten Heart-Album abgeschlossen hatte, den Auftritt von Steve und Teresa. Ihr unverwechselbarer Sound inspirierte Keefer dazu, das Duo zu überreden, ein ganzes Album mit ihm aufzunehmen.
Ein paar Tage später waren Steve und Teresa in Keefers Sea-West Studio, um ihre erste Platte aufzunehmen. Die gesamte Session dauerte nur drei Stunden. Alles wurde live aufgenommen - Akustikgitarre, E-Bass und die mitreißenden Gesangsharmonien der beiden - mit nicht mehr als zwei oder drei Takes pro Song.
"Wir kamen ohne eine Setlist herein", erinnert sich Steve. "Wir schrieben einfach Songs auf, die wir in den letzten ein bis zwei Jahren gespielt hatten. Wir waren instinktiv im Einklang miteinander, und wir schafften alles in drei Stunden. Wir hatten schon ein paar Jahre lang auf der Bühne geübt, also gingen wir ins Studio und nahmen unser Live-Set auf. Es war wirklich wie ein Live-Album."
"Das Magische daran war, dass wir so viel Material hatten, mit dem wir arbeiten konnten", fährt er fort. "Einige der Freiräume auf dieser Platte sind genauso wichtig wie die Musik. Es gibt nur Gitarre und Bass - und es gibt sogar ein paar Fehler, und die kann man auch hören. Wenn ich jetzt zurückblicke, frage ich mich, wie ich jemals so singen konnte."
Neben "Catching a Wave" lieferte das Duo auch funkelnde Perlen wie den hawaiianischen Luau-Jam "Sadie", die langsame Liebesklage "That's My Desire" und die melancholische alte hawaiianische Melodie "Kaho'olawe Song".
Das Album war ein früher Erfolg, und Steve und Teresa nahmen noch zwei weitere Alben zusammen auf, Ocean Blue von 1983 und Intimately von 1986. Ersteres markierte eine neue Richtung, mit einer kompletten Band, die Schlagzeug und Synthesizer einschloss; aber als das Album nicht so gut ankam wie Catching a Wave, kehrte das Duo für das treffend betitelte Intimately zu ihrem klassischen Sound zurück. 1988 wurde ihr Song Uwehe, Ami, and Slide" mit dem Na Hoku Hanohano Award - dem lokalen Äquivalent eines GRAMMY - als Song des Jahres ausgezeichnet.
Letztlich löste sich die Band aufgrund kreativer Differenzen auf. In den folgenden Jahren ging es mit Teresas internationaler Solokarriere steil bergauf, während Steve in der Nähe seiner Heimat blieb und seine Familie mit einem lokalen Landschaftsbauunternehmen versorgte. (Rick Keefer verstarb 2013 auf Hawaii.)
Jahrzehnte später hörte der in Honolulu ansässige DJ, Geschmacksmacher und unabhängige Labelbesitzer Roger Bong in Underground-Kreisen von Catching A Wave - das Album ist ein begehrtes Objekt unter Hardcore-Sammlern. Eines Tages erzählte ihm ein Freund, dass sich in der Lobby seines Wohnhauses ein paar Platten auf dem Spendenstapel befänden. Er rannte die Treppe hinunter und fand eine Kopie von Catching A Wave unter dem Stapel. Schließlich freundete sich Bong mit Steve an und half ihm sogar dabei, "Catching A Wave" für Psychemagiks eklektische Kompilation Magik Sunrise zu lizenzieren. Jetzt, nachdem er sich Teresas Segen über den gemeinsamen Freund und die lokale Legende Kit Ebersbach gesichert hat, veröffentlicht Bong "Catching A Wave" auf seinem Label Aloha Got Soul neu.
"Hierzulande ist es ein unbesungener Klassiker", sagt Bong. "Als Komposition hat der Song ein langes Leben im Repertoire lokaler Musiker genossen, aber die Originalaufnahme ging im Laufe der Zeit verloren. Die Wiederveröffentlichung gibt dem Album und dem Originalsong eine zweite Chance, eine neue Generation von Fans zu erreichen."
"Es war wirklich das erste Mal, dass die Leute Teresa auf einer Platte singen hörten, und ihre Stimme war erstaunlich - einmalig", sagt Kit Ebersbach. "Sie hatte einen ganz eigenen Stil, der an die Jazz-Crooner erinnerte. Catching A Wave war für sie der Durchbruch.
Cory Oliveros, ein lokaler Musiker, hat seine eigene Interpretation von "Catching A Wave" auf sein 2012 erschienenes Album Repertoire aufgenommen. Er hörte den Song zum ersten Mal bei Familientreffen, als seine Cousins ihn bei Kanikapila oder improvisierten Jamsessions im Hinterhof spielten, wie sie auf Inseln üblich sind. Er hat es in seine Setlist aufgenommen, seit er zum ersten Mal aufgetreten ist. "Für mich ist es so etwas wie ein Glücksbringer oder ein positiver Segen", sagt er.
Dass ein junger Musiker wie Oliveros die gleiche Verbindung zu "Catching A Wave" verspürt wie seine Eltern, als der Song zum ersten Mal veröffentlicht wurde, spricht für die Magie des Songs. "Es ist die Einfachheit und die Botschaft des Songs", sagt Steve. "Der Text ist schön und leicht, und Teresas Stimme ist einfach perfekt. Es klingt einfach wie ein authentisches Hawaii."
Die Box Set 5 wurde von Felas Sohn, Femi Kuti, und Chris Martin (Coldplay) gemeinsam kuratiert. Das Artwork jedes der einzelnen Alben wurde akribisch und bis ins letzte Detail der jeweiligen Original-Vinyl-Pressung nachempfunden.
Das gilt auch für die Vintage Vinyletiketten.
Die Box enthält:- 7 Vinyl-LPs- Ein 20-seitiges, farbiges Booklet mit: Einführungen von Chris Martin und Femi Kuti, einem ausführlichen Kommentar zu jedem der sieben Alben von Musikjournalist und Afrobeat-Historiker Chris May; Songtexten; nie zuvor veröffentlichten Fotos von Fela Kuti; sowie Standbildern aus dem Fela-Dokumentarfilm Music Is The Weapon von 1982.- 16x24" Poster, entworfen vom nigerianischen Künstler Lemi Ghariokwu, der kreativen Kraft hinter 29 von Felas Albumcovern.
Limitiert auf 4000 Exemplare weltweit.
180g vinyl, incl. bonus CD's, Collection of recordings from one of Tanzania’s most revered but short-lived bands of the 1970s, Sunburst. Covering their entire output from 1973 to 1976, this first retrospective features music from their 45 RPM singles on Moto Moto and TFC label, as well as their sole album, "Ave Africa", and an unreleased radio session recorded in Tanzania in 1973.
This release comprises of the double vinyl and a copy of the CD version, which contains extra tracks.
In 1972, the country of Rhodesia – as Zimbabwe was then known – was in the middle of a long-simmering struggle for independence from British colonial rule. In the hotels and nightclubs of the capital, bands could make a living playing a mix of Afro-Rock, Cha-Cha-Cha and Congolese Rumba. But as the desire for independence grew stronger, a number of Zimbabwean musicians began to look to their own culture for inspiration. They began to emulate the staccato sound and looping melodies of the mbira (thumb piano) on their electric guitars, and to replicate the insistent shaker rhythms on the hi-hat; they also started to sing in the Shona language and to add overtly political messages to their lyrics (safe in the knowledge that the predominantly white minority government wouldn’t understand them). From this collision of electric instruments and indigenous traditions, a new style of Zimbabwean popular music – later known as Chimurenga, from the Shona word for ‘struggle’ – was born. And there were few bands more essential to the development of this music than the Hallelujah Chicken Run Band.
Afro-cuban : that term which set the world on fire, from rumba to boléro, mambo to cha-cha-cha, before salsa, that 70's spicy sauce, took over from the others. But to speak truely, since the mists of times (of slavery), both Africa and Cuba aim to vamp that umbilical cord. The most recent example, CubAfrica, a record born from the reunion of a master from Africa and this very living institution from Cuba, during a show around Albi (in the south of France) where they were both headlining in spring 1996. Manu Dibango's sax melted perfectly with the rural music of Eliadès Ochoa and his Cuarteto Patria, here's the beginning of an idea. Talking about latino music, Manu Dibango has an history with it. First, during the early 60's, from Douala to Abidjan and Paris, he was surrounded by as much cuban tempos as afro, and a lot of descarga, this typical afro-cuban jam sessions with a spicy jazzy touch, which were back in the circumstances back in the days. Later on, in the 70’s, invited in Puerto Rico by the Fania All Stars, this dreamy salsa big band at its highest, Manu dressed his anthemic hit "Soul Makossa", for a show (and then a record) of anthology. There was nothing more natural for him than diving again in the cuban bath. This time, he crossed the sound barrier with this Cuarteto Patria, a standard combo in the cuban music, founded 60 years ago and handled by Eliadès Ochoa, this master of très the ancestral cuban guitar, in 1978. He just achieved another magic meeting, the one of Buena Vista Social Club' record, next to Compay Segundo, Ruben Gonzalez and Ry Cooder. In Paris, back from Albi, an idea started to tickle Manu, Eliadès and... Gilbert Castro, boss of Celluloïd-Mélodie. They high fived each other, been agree on the repertoire and then get to Davout studio the day after. They tweak the arrangements right at the studio with the help of Ernesto "Tito" Puentes and Hughes de Courson, Lambarena' producer. In two days, everything's almost ready. Jerry Malekani, Manu's guitar player will add a few things on it. CubAfrica is a seductive guided tour around the garden of latinos' classics, with that Creole' smell. Latinos but not only cuban, this record is a walk toward mexican Cielito lindo or Cerezo Rosa, this french sweet made by André Claveau and spiced by Perez Prado. A repertoire that even newcommers are able to hum, due to such a patrimonial status, spread by Cubans and their African partner in crime, round-shaping sounds for a spontaneous result: the black continent and the Caribbean island aren't on the edge of losing the bond between them.
Manu Dibango (born 1933) is a saxophonist, vibraphonist and pianist from Cameroon. He developed his own musical style by combining jazz with traditional Cameroonian music and the popular Cameroonian dance music Makossa.He was born in Douala. Like his father, he belongs to the Yabassi ethnic group, while his mother was a Duala. As a student, he discovered jazz for himself in Chartres during the 1950s and learned to play the piano. In Reims, where he was preparing for his baccalauréat, he took up the saxophone and began performing in nightclubs, to the great chagrin of his father, who subsequently cut off his alimony in 1956.Various contracts took him to Brussels, where he met Coco, his wife, to Antwerp and Charleroi. During this time, his jazz style became "Africanized" through contact with the Congolese milieu that emerged in Belgium as a result of immigration from Zaire before and after its independence in 1960. Joseph Kabasélé hired him for his orchestra Le Grand Kallé et l'African Jazz and recorded numerous records with him, which had great success in Africa and took them to Léopoldville, where Manu popularized the twist in 1962. Returning to Cameroon, on the other hand, proved difficult and Manu Dibango went to France again.He had engagements with Dick Rivers and Nino Ferrer, big names of the time, but it was only after 1969 that he was able to continue his African successes with recordings of his own compositions.In 1972 he conquered the charts in the United States with Soul Makossa (actually the B-side of the single Mouvement Ewondo). It was the first number-one hit by an African musician in the U.S., prompting Dibango to embark on his first tour, where he made numerous contacts with black musicians in the country. Inspired by African tribal music and contrasted with European church sounds, animated by jazz and soul from America, he succeeded with the album in the opinion of the London magazine City Limits in creating "smooth, impactful dance club music with catchy saxophone dressing." He fused traditional Cameroonian rhythms, Nigerian highlife pop, Congolese folk, Latin American cha-cha-cha and funk, reggae, hip-hop and bebop jazz sounds.Soul Makossa also brought the Makossa style of music to prominence outside of Cameroon. The song is also considered by some to have paved the way for the emergence of disco music. The refrain, "mama-se, mama-sa, ma-ma-ko-ssa," was used by Michael Jackson in his 1982 song Wanna Be Startin' Somethin', and in 2006 in Rihanna's equally hugely successful song Don't Stop the Music; Manu Dibango has filed copyright lawsuits against both singers. The song was also sampled on Wyclef Jean's 1997 album The Carnival.This launched a career that made him famous worldwide. In particular, the boom of world music in the 1990s boosted his popularity and took him on numerous tours.Manu Dibango has worked with numerous musicians throughout his career, including Fela Kuti, Herbie Hancock, Bill Laswell, Bernie Worrell, Youssou N'Dour and reggae musicians Sly & Robbi
Cuarteto Patría is one of the leading musical groups in Santiago de Cuba. It was founded in 1939 by Francisco Cobas la O (Pancho Cobas), director, with Emilia Gracia, Rigoberto Hechaverría (Maduro) and Rey Caney (Reinaldo Hierrezuelo la O). The original style was traditional trova, with boleros and some música campesina (countryside music). In due course, the members and the music changed. By far the greatest change was the arrival of Eliades Ochoa, who has proved to be an inspired choice.Ochoa was invited by Cobas to become leader in 1978, and, before accepting, he got agreement to introduce new musical works into the repertoire. At that time Cobas continued with the group, and Hilario Cuadras and Amado Machado joined. Ochoa introduced the son as the staple diet of the group, and beefed up the percussion to balance the guajiro content with an African element. Even more important was his personal qualities. He is a truly outstanding acoustic guitarist, with a warm singing style. For all that, it took a long time for music lovers outside Cuba to hear about the group. In the series of albums Ochoa played an increasingly prominent part, and this was reflected in increased sales for the Cuarteto Patría albums, and in many foreign tours for the man and his group.
Ein Meisterwerk. Unter der musikalischen Leitung des Saxophonisten Issa Cissoko, dessen dezente, jazzige Bläserarrangements sich durch das gesamte Album ziehen, und des Gitarristen Barthélemy Attisso, dessen hypnotische, virtuose Soli hervorstechen, wurde das Album im "Golden Baobab"-Studio in Dakar aufgenommen und dort von dem jungen Ibrahima Sylla produziert.
Die Verwendung des Affenbrotbaums, sowohl im Namen als auch in der Symbolik, unterstreicht das Bewusstsein der Gruppe für die traditionellen senegalesischen Werte, wenn sie mit denen von außen kombiniert werden, in diesem Fall mit der afro-kubanischen Musik, die in den 1960er Jahren so populär war.
Issa Cissoko: band leader and tenor saxophoneBarthélemy Attisso: lead guitarCharles Ndiaye: bass guitarPape Bâ: guitarPeter Udo: clarinetMontaga Koite: percussionThione Seck: vocalsMedoune Diallo: vocalsNdiouga Dieng: vocals and maracasBalla Sidibe: vocals and timbalesRudy Gomis: vocals
Mokomizik Records presents the first-ever reissue of this ultra-rare Latin-Jazz masterpiece. The Fantastic Variety in the Music of Panama - The Winsor Style and Calypso Impressions was privately released in the early 1960s by Panamanian pianist and songwriter Alonso Wilson De Briano.
Alonso described Panama as a country "with a foot in each side", referring to its unique geography that connects North and South America. The blending of Latin and English-speaking cultures had a big influence on Alonso, whose work draws on elements from West-Indian, Afro-Cuban and Panamanian folk musical styles. From the upbeat mambo rhythms of "Amigo" to the unusual combination of Calypso and Tamborera styles used in "My Brother, Too," Alonso weaves a rich musical tapestry into his arrangements. Back in 50s Panama, Alonso enjoyed relative success, with the likes of Orquesta Armando Boza and Tito Contreras performing his songs. So distinctive were his compositions that people had started referring to them by their own style - El stylito Winsor (the Winsor style), a reference to a club that Alonso performed at. Throughout his music career, Alonso worked with a number of renowned musicians, several of whom appear on the record, including Cuban-Jazz pioneer Arsenio Rodríguez's main bassist, Alfonso Joseph; and saxophonist and flutist Gene Jefferson to name a few.
Sadly, not many copies remain of Alonso's music today and the few that have surfaced over the years have naturally demanded high asking prices. This limited reissue aims to shed new light on Alonso's work and make it available for a new generation of listeners to enjoy. Great care has been taken to restore this record, using quality mastering to ensure maximum listening pleasure and retaining the original artwork with lyrics and the song descriptions written at the time. Each record comes with an insert containing restored photos and detailed biography, which features quotes from a rare interview with Alonso from the 1980s along with information gathered from his family and Alfonso Joseph, the only musician we could reach who plays on the record.